世界因符號而豐富｜莫內的陽光與「閃耀日本」
對繪畫的固有觀念
現在回想起來，我青少年時期是1990年代，那是一個音樂產業鼎盛的時代。
樂器音色因電子技術的發展而產生、PV帶來的視覺資訊、媒體重複播放的歌曲。
相較之下，即使是歷史名畫，其給人的印象也比不上音樂那種燃燒五感的壓倒性感動，顯得安靜、遲鈍，無法觸動人心。
我知道自己畫不出那樣的畫，也知道畫得很好。但它太過平靜，讓我覺得不值得特地花錢去欣賞或購買。我從未懷著興奮的心情，緊握著美術館門票前往觀賞。
感動，來自意想不到的地方
剛出社會不久的假日，我和大學朋友去新潟縣旅行。
因為是沒有計畫的旅行，所以沒什麼特別的事情可做，但聽說附近美術館正在舉辦莫內畫展，於是我們就去了。
到了美術館，我手持語音導覽，聽著對莫內的解說，面對著數量不少的莫內畫作，儘管我不懂畫，卻假裝很有意義地看著，同時又覺得有些不好意思，四處張望著。
這時，在一幅描繪荷蘭風景的畫作前（我忘了畫名），我突然感覺到莫內似乎正試圖將光線捕捉在畫布上。
從少年時代起，無論是被責罵的日子、炎熱的夏天、寒冷的冬天，還是遇到好事的日子，光線總是奇異地豐富地照耀著，呈現出各種不同的樣貌。
它擁有令人驚歎的豐富表情，即使只是一棵樹，也幾乎有無數種色調。
我覺得他似乎想透過在畫布上混合顏料的方式，將那道光線捕捉並描繪在畫布上。
那幅畫作光芒四射，彷彿光線從畫布中溢出。
我從未見過這樣的畫。
拉斐爾和林布蘭都有各自的主題，描繪著厚實感、人物魅力、光影。
然而，儘管顏料和畫布會吸收光的波長，光線卻從畫布中溢出，這讓我感到很神奇。
然而，同時我又有一種預感，儘管不知道原因，但莫內之後的畫作會變得雜亂。他可能已經達到了窮盡畢生心力「將光線捕捉在畫布上」的極限，但卻又被「這條路徑本身是否錯誤」的疑問所困擾。
事實上，觀察莫內晚年的畫作變遷，據說晚年因為眼疾的關係，畫風感覺變得非常雜亂。
在無限廣闊的自然風景可能性中，透過某種詮釋來重現畫作，是否反而減損了自然所擁有的魅力呢？
是否有辦法將自然所擁有的這種令人驚嘆的魅力，重現在畫布上呢？
彷彿能感受到莫內的苦惱，他傾盡一生所創造的繪畫形式，都讓他感到不滿，甚至覺得是一種失敗。
然而，不知何故，我卻覺得那是一種勝利。只是，我不知道原因何在。
真正的感動，發生在隔天。
當我坐在朋友駕駛的汽車後座，望著無邊無際的海洋時，大海開始看起來就像莫內畫中的風景。
那是大海近30年來第一次展現的姿態。
海面上反射的光線，不再是無限複雜的，而彷彿是由數種顏色和簡單的對比所組成的色彩組合。
那感覺就像行星被牛頓物理學解開了其自然奧秘的密碼一樣，自然的密碼也被解開了。
然而，奇怪的是，即使密碼被解開，魅力也並未因秘密的喪失而減損，反而大海更加閃耀。
說到底，解碼這個問題或許只是個無聊的比喻，實際情況可能並非如此。
無論如何，確切的感動確實來了。
然而，如果將這件事告訴任何人，無論我如何解釋，最終都會被認為是個裝懂繪畫的麻煩人物。畢竟，裝懂的本質並未改變。
然而，與個人處境無關的是，在歷史上無數才華洋溢卻未留名的畫家中，莫內不僅擁有才華，也因為某些偶然，在人類美學意識的傳承與發展中，被賦予了某種象徵符號的意義，並在社會中流傳。
閃耀的日本
觀看「閃耀的日本」系列作品時，我想起了約20年前觀看莫內畫作的情景。
莫內試圖用有限的顏料和畫布來表現複雜的自然。他並非簡化了光線，而是將光線的豐富性以人類能夠表達的符號來取代。
十字繡也有些類似。櫻花無法完全複製櫻花本身。楓葉、波浪、雪花，也都必須被轉換為有限的繡線顏色和細小的十字組合。
在那裡，
「這片花瓣是什麼顏色？」
「光線照射時，會變成什麼顏色？」
「陰影真的是灰色嗎？」
不知不覺中，我一遍又一遍地思考著這些問題。
看似在簡化世界，實則不然。
一旦將其適當地翻譯成繡線這個符號，就能以比以前更豐富的方式看待現實世界。
數學和物理學也是如此。自然本身並非數學公式。
然而，人類透過將自然轉換為數學公式這個符號，理解了其法則，最終得以發射人造衛星，將火箭送上太空。
並非簡化了世界才能理解。
正是因為將世界翻譯成符號，並反覆思考、重組其結構，才能更深入地理解現實。
十字繡也有些類似。
「閃耀的日本」系列將花鳥風月轉換為有限的繡線和細小的十字符號。
自然的魅力，僅僅存在並不能成為文化。當人類將其翻譯成符號，並以表現形式固定下來時，才能首次成為人類的共同財富。「閃耀的日本」系列也正是這樣一種，在世界上創造新的日本魅力的活動。
閃耀日本季節 (秋日京都)
閃耀日本季節 (富士與賞花)
